Pose y Fotogenia para Fotógrafos

En más de una ocasión nos habremos enfrentado a un retrato 'complicado'. Son aquellos casos en los que el sujeto a fotografiar es, por decirlo de alguna manera, 'poco agraciado' o simplemente son del perfil de los que la cámara les impone y les produce un efecto catatónico que se traduce en gestos o poses nada favorecedoras. Las frases "no sé como ponerme", "yo siempre salgo mal en las fotos" o "dime qué hago" son parte de la rutina de los que se dedican a realizar retratos en cualquiera de sus vertientes, y no siempre salimos vencedores en esta contienda.

Algunos optan por crearse un archivo con imágenes de supermodelos rescatadas de revistas o via web (bendito Pinterest) y animan a sus clientes a imitar el mejor de los gestos de Jon Kortajarena o la pose más contorsionista de Gisele Bundchen...craso error. Probablemente lo que consigas es coartar más a tu cliente, sabedor que sus rasgos físicos no son los de un/a top model.

¿Cuál es el truco para conseguir el mejor resultado sin perder naturalidad en el resultado? Ante todo mucha calma, nuestro nerviosismo se transmite al modelo y eso es lo último que queremos. Es muy recomendable entablar una breve charla mientras se prepara el equipo de luces, por ejemplo, hay que evitar los momentos prolongados de silencio, buscar la manera en la que el sujeto se olvide del objetivo de la cámara y dar indicaciones concretas y claras sin dejar de disparar, los primeros disparos son los más difíciles y en la era digital ya no desperdiciamos película, por lo tanto ayudemos al modelo a ganar confianza.

Algo que jamás debemos hacer es abandonar la cámara para colocar a nuestro cliente en una pose determinada como si de un maniquí se tratara, probablemente ganemos tiempo para conseguir una foto concreta pero habremos echado por tierra cualquier resto de confianza que pudiera tener nuestro modelo. Siempre es mejor insistir con ordenes tipo, "gira un poco la cabeza, un poco más, un poco menos..." y sobre todo afirmar aquello que se esta haciendo bien "así, muy bien", " muy guapa", "muy bien esa sonrisa"...El refuerzo positivo es un arma a nuestro favor, cuanta más confianza tenga nuestro modelo mejores seran los resultados.

Tampoco deberiamos mirar la pantalla de nuestra cámara después de cada disparo. Esta manía es algo muy común en los fotografos de la era digital. Este tic ralentiza la sesión y hace que el modelo pierda el ritmo, convirtiendo una experiencia que en principio debería ser minimamente amena en un tostón interminable.

Otro punto a tener en cuenta es el estilismo; evidentemente un fotógrafo no tiene por que ser un perfecto asesor de imagen, pero sí debería conocer ciertas pautas básicas sobre qué es lo más favorecedor a la hora de fotografiar: las prendas claras funcionan como reflectores, el azul claro potencia un tono saludable de piel, un pelo demasiado despeinado ensucia la imagen final, un maquillaje excesivo envejece...

Todos estos detalles junto a otras técnicas de encuadre e iluminación serán las que se traten en nuestro taller de verano dedicado a la pose y fotogenia para fotógrafos, que realizaremos el viernes 21 (de 10 a 14h) y sábado 22 de junio (de 16 a20h). Así que si te has sentido identificado/a con lo anteriormente escrito, este workshop te ayudará en tus futuros proyectos. ¿El precio? solo 125 €, ¿aún te lo estás pensando?

Taller de Retrato Ambientado

De todos los temas potenciales para un fotógrafo, el retrato es, sin duda, el más popular y fascinante. Pero conseguir un fiel reflejo de la realidad no es tarea fácil y es mucho más complicado si pretendemos capturar algo de carácter, algo que dé al observador de la fotografía una visión interior y carismática del sujeto. Con este taller conseguirás que tus imágenes hablen de tus clientes ya que habrás adquirido los conocimientos suficientes para proyectar en fotografías aquellas características no visibles que convierten un retrato en obra de arte.

TEMARIO TALLER DE RETRATO AMBIENTADO
   
1. Iluminación Ambiente.
2. El encuadre.
3. La textura.
4. Ocasiones especiales.
5. Acentuando las formas.
6. Uso de la figura. Poses.
7. Variaciones sobre un tema. Búsqueda de lo original.
8. Retrato y ambiente.
9. Trabajo por encargo.
10. Revelado básico de retrato.

Duración: 8 horas
Viernes 14 de Junio   (de 10 a 14h)
y Sábado 15 de Junio (de 16 a 20h)
Precio : 125 €

Todas las sesiones se componen de una parte teórica y otra práctica, con modelos.

El triángulo de exposición (no confundir con el de las Bermudas)

Sabemos que una cámara fotográfica no es otra cosa que una caja hermética a la luz con un objetivo en un extremo y un material fotosensible al otro. La luz entra a través del objetivo y, tras un cierto período de tiempo (determinado por el tiempo de obturación), la imagen queda registrada. Por si no lo ves claro, no es ni más ni menos que una cámara oscura.

Pero ¿cuál debe ser mi exposición? O en otras palabras ¿Cuánta luz y durante cuánto tiempo tengo que exponer mi material fotosensible?. La respuesta es siempre la misma…tu exposición debe ser la correcta, la exposición que plasme lo que quieres transmitir: movimiento, congelación (acordaos de entradas anteriores donde hablábamos de la velocidad de obturación), aislar al sujeto (recordad las entradas anteriores donde hablábamos de contar una historia mediante eldiafragma).

Para todo esto tenemos que tener en cuenta tres factores:

ISO, diafragma y velocidad.

ISO. En la época analógica, antes de comprar tu carrete o rollo, tenías que decidir de antemano la sensibilidad con la que ibas a trabajar. Ahora, en la era digital, es un paso de ruleta más; algo muy cómodo, práctico y que da buenísimos resultados.

Diafragma.

Con él decidiremos la profundidad de campo que queremos conseguir.

Velocidad.

Determinará el grado de movimiento o congelación que nos exija nuestra toma.

Para ello tendremos que tener muy muy claro dónde y cómo estamos midiendo la luz de la escena. Según lo  actual que sea nuestra cámara, esta puede tener dos o más opciones en cuanto a modos de medición, cada uno indicado especialmente para medir la luz reflejada y estimando una zona determinada con prioridad a otra.

Modos de Medición.

Medición Puntual de la Luz.

Es lo que hace el fotómetro de nuestra cámara: medir la cantidad de luz que incide en una región muy pequeña del sensor. Coincide aproximadamente con el cuadrado que suele indicar el enfoque en el sensor, insisto, aproximadamente.

Medición Ponderada al Centro.

En este método, también llamado promediado central, el fotómetro intenta equilibrar los valores de medición. Da más prioridad a la luz que mide en el centro (con el sistema puntual), pero además tiene en cuenta los valores que recoge de la zona externa a esa superficie. 

Medición Matricial.

El más complejo de los tres,  funciona bien en el 90% de las situaciones. Lo más probable es que sea el ajuste de la cámara por defecto. Este método de medición a través de una matriz con más o menos puntos, (cuanto más moderna más puntos) recoge los distintos valores de luz en cada uno de ellos.

¿Qué (ISO), cuánto (tiempo) y, con qué (diafragma)?

En definitiva tienes que ser tú y no tu cámara quien decida cuanto tiempo, qué diafragma y qué velocidad utilizar en cada caso. Para ello ten siempre presente el triangulo de Exposición formado por ISO, Velocidad y Diafragma

Por cierto, lo de el 3D estoy en ello. Jo jo jo jo …

Una entrada de Ricardo Piquer para Abad escuela.

¡¡¡QUÉ LA LUZ OS ACOMPAÑE!!!

Workshops de verano: Fotografía de Estudio.

Comenzamos nuestros talleres de verano con uno enfocado a la fotografía en estudio, un taller de técnicas para aprender a iluminar en plató. Aprenderás cómo crear desde esquemas básicos hasta personalizados de iluminación, a medir correctamente la luz de flash o luz contínua. Con este workshop dominarás las bases de iluminación para la fotografía en estudio. Las sesiones constan de una parte teórica y otra práctica con modelo en plató. El temario es el siguiente:
  
1. Teoría y Práctica de la luz. La luz, calidad y dirección.
2. La exposición. El fotómetro, luz reflejada, luz Incidente.
3. Temperatura de color, balance de blancos. Personalizado, gris 18%.
4. Tipos de fuente de iluminación. Accesorios, modificadores.
5. Principios básicos de la iluminación: Luz principal, luz de relleno, luz de realce.
6. Esquemas de iluminación. Retrato, belleza. Acentos de luz.
7. Tipos de luz. Luz natural, luz contínua, luz de flash, luz mixta.
8. Luz suave y luz dura. La importancia de las sombras.
9. Como poner en marcha un esquema personalizado.
10. Ejercicios Prácticos. 

Este workshop se realizará el viernes 7 en horario de 10 a 14 h y sábado 8 de junio de 16 a 20 h y será impartido por Ricardo Piquer
Precio : 125 €

Reserva tu plaza llamádonos por teléfono (963 524 910 - 699 716 832) o a través de un mail a escuela@abadfotografia.com

El valor de la velocidad y no en una carrera precisamente.

Control del tiempo de exposición 

En una cámara, el tiempo de exposición queda controlado por la velocidad de obturación y el nivel de iluminación por la apertura del objetivo. Estos dos últimos factores (velocidad de obturación y apertura) se combinan en un solo número llamado valor de exposición, EV.

En fotografía, la mal llamada velocidad de obturación, que en realidad se refiere al tiempo de exposición, hace referencia al periodo de tiempo durante el cual está abierto el obturador de una cámara fotográfica.

Se expresa en segundos y fracciones de segundo por lo cual se entiende que estamos hablando de tiempo y no de velocidad (tiempo/distancia).

Si, si, vale…  esto es wikipeando.
¿Más claro? agua, por ejemplo la de un cubo:

Supongamos que tengo un cubo y lo quiero llenar de agua hasta su capacidad total, con exactamente 5 litros. El tiempo que está el cubo para llenarse completamente es el tiempo de exposición. Esa será nuestra exposición correcta, es decir, si estoy más tiempo el agua se sale, (sobreexposición) y si lo quito antes se no se llena, (sub-exposición). Por otra parte el tamaño de abertura para el caudal (la boca del grifo), sería mi diafragma. Estableciendo un tiempo concreto y con una abertura definida  tendría el cubo, x tiempo con x abertura para exactamente 5 litros de agua. Ni se sale ni se queda corto: exactamente 5 litros. Lo que en exposición sería una exposición correcta.

Con una medición a través del fotómetro conseguiriamos los parámetros exactos para la toma ¿Para qué variar entonces el tiempo de exposición? Hay muchas fórmulas para exposiciones correctas, solo es cuestión de jugar con el diafragma y el tiempo según nuestras necesidades. 

Un tiempo de exposición lento me ha permitido captar luz ambiente y movimiento en los cohetes.@Ricardo Piquer.

Visualicemos una noria de feria. Esta puede aparecer en nuestra fotografía totalmente congelada o marcando esos haces de luz  que indican al espectador que está girando ¿verdad? Ahí es donde entra el tiempo de exposición en juego, con la particularidad de que tengo que tener una exposición acertada para que la fotografía sea la correcta.  Si reducimos la velocidad abriría el diafragma compensando la exposición para conseguir la exacta (recuerda el cubo de 5l).

Un tiempo de exposición rápido me ha permitido congelar el salto.© Ricardo Piquer

Entonces si mediante la compensación de exposición obtengo la misma ¿cuál es la correcta?  Muchas son las fotografías en las cuales el tiempo de exposición es el que decide el factor de una toma. Por ejemplo, el efecto seda en corrientes de agua, las líneas de movimiento de los coches  en una carretera nocturna... Es cuestión de creatividad y de lo que quieras transmitir,  la óptima es la que contagia al espectador lo que querías expresar en ese momento.

 

Una entrada de Ricardo Piquer Para Abad escuela. 

¡¡¡ Qué la luz os acompañe!!!